今村 洋平「live printing」

今村 洋平 YOHEI IMAMURA
live printing
2016.7.30 (土) – 9.18 (日)
オープニング・ライブプリンティング:7.30 (土) 16:00 -, パーティー:18:00 – 20:00 夏季休廊:8/8 – 26

KAYOKO YUKI
2-14-2 Komagome, Toshima-ku, Tokyo 170-0003 Japan
MAIL: info@kayokoyuki.com / TEL: +81(0)3-6873-6306
http:www.kayokoyuki.com


Title: tsurugi 2016
Artist: Yohei Imamura
Film: Hikaru Suzuki (http://hikarusuzuki.tumblr.com)
Production: KAYOKOYUKI (http://www.kayokoyuki.com)

今村洋平は、学生時代から一貫し、版画のシルクスクリーンというアナログな複製技術から、樹脂性のオイルインクを数百回、数千回と重ねる行為によって彫刻的な作品を制作しています。インクが通過する穴を、特殊な乳剤で直接スクリーンに描いて埋めていきながら版を作り、複雑な幾何学模様や、山脈の形状を作り出します。作家自身で発明した技法により、また作品の完成までに半年から一年以上の歳月をかけるため、作家の身体に合わせたスムーズな作業工程を踏めるよう、シルクスクリーンを置く台や作品を出し入れする棚、それらの配置や、作品の支持体などにも細かな工夫がなされています。


 本展で発表される新作「tsurugi No.1」「tsurugi No.2」は、地形図の等高線を利用し、日本に実在する山がモチーフとなっています。等高線の本数と同じ222個の版があり、1つの版を約40回ずつ刷ることにより、約0.4mmずつのレイヤーができ、トータルで約9000層 積み重ねられています。「tsurugi No.3」は、1つの版を2回ずつ刷っており、「tsurugi No.1」「tsurugi No.2」と同じ版を使用していながらも、また違った山の表情を見せています。さらに、版毎に使われたインクの色や刷った回数などをデータとしてパネルに記録した「log, tsurugi」や、スクリーンをクリーンナップする際に残ったインクを紙に転写した「turn, tsurugi」など、制作の過程自体が多角的に表現されています。

 今村は普段より登山に親しんでおり、山頂から望む雄大なまなざしを取り入れているようにも感じられ、制作行為の重なりと同時に、自然界や時間の重なりとしても観る者に迫ってきます。山の周囲をぐるっと囲むようにしてある抽象的な形状にも見て取れるように、山頂を目指して一歩一歩計画的に進めていく工程を中心に据えながら、その周縁で自然発生する手作業ならではのエラーや、コントロールできない部分を積極的に受け入れ楽しんでいるようにも見えます(http://www.kayokoyuki.com/jp/160730.php)

スクリーンを通過した樹脂製のオイルインクの堆積、地層が作り上げた光景、それこそが今村氏の作品である。ステートメントを拝見し、技法•過程を知った上でも、作品をなかなか冷静には見ることができない。
私は幸運にも今村氏が在廊し、ライブプリンティングの様子を目にすることが出来た。※上記の動画でもご覧いただけます。
今村氏は同様の技法で他作品も制作されており、どれもが複数回(といっても何百〜何千回)の刷りの集大成である。同手法は新作でも用いられている「等高線」という概念を併用することで、より効果的に演出される。

インクを上部から、極僅かに刷り出し、高品質に、抽出するように、向こう側に落とす。自然現象の爪痕、その途方もない繰り返しが、結果的に徐々に山の形を成し、山を模し、最終的には私たちが山として認識する。
制作日を重ねるに連れて、山が高くなる、大きくなる、これは視覚情報。
つまりインクは徐々に堆積し、重くなる。重量は視覚では計れない。

一度刷ったら、インクが乾くまで少々時間を置かねばならず、作品を作業台から保管場所へ一時的に移動させる必要がある。移動の様子を横で見ていたが、腕に浮き出た血管、その腰つきから見るに相当な重量である。

それは山、自然が形成されるまでに必要とされる時間の長さ。
そして作品を作るということの苦労も重なって見える、見えてしまう。

山という存在の定量化を試みた一つの実例が、等高線だと思うのだが、
つまり今村氏の試みは、山屋としての眼差しというフィルターを介した上での、定量化されたデータ(等高線)の再変換である。

本作はインクの自重に耐えきれず、変形した箇所も見受けられたが、
その部分は、ステートメントにもあったが「その周縁で自然発生する手作業ならではのエラーや、コントロールできない部分を積極的に受け入れ楽しんでいるようにも見えます。」という思考で補い、受け入れている。

丁度、先日「神々の山嶺」を読んだばかりなので記しておきたい。
人類の手に余る存在である自然、山に対して、登攀を試みる人類は、結局のところ、現段階では、天気、気温等の考慮した上で、運にも恵まれなければ、成功を手にすることが出来ない。既存のルートを通るにしても、日によって壁面の状態も気候も異なるし、難易度は一定ではない。天災により既存のルートが失われる恐れだってある。

自然は生きている、常に変化を続けるものであるということ。
定量化自体も、今(正確には過去)の一時的情報を記録したに過ぎず。
全てを把握することは、少なくとも、今はおこがましい。
全てを受け入れ、ある程度のゆとりを持つことが必要であろう。

科学技術が際限なく発展するとしたら、やがて、
死を克服し、未来を知ることも可能になるかもしれない。
しかし、今現在も死は確固たる未来として存在しているし、
未来は枝分かれした可能性の一部を捉えるに留まっている。

だからこそ、私たちは非力であることを念頭に、
何事にも抗い続けているのだと思う。

とても刺激的な時間だった。
作品も面白かったが、その結果、例えば「登頂した!」よりも、
そこに至るまでの一挙一動をこの目で見れたというのが嬉しかった。

私たちが普段より踏みしめる地面、土、アスファルト。
その更に下の地層、私たちの足下に眠るものたちのことを、
もっと意識していたい。

少しそれるが、以前読んだ視覚障害者に関するインタビュー記事。
著者が視覚障害者を山の上にある大学に連れて行ったときの出来事。
駅前からゆるかなな上り坂を経て、山の上にある大学に向かう道中、
「この大学は山の上にあるんですね」と言われたそうである。
著者は大学が山の上にあることは勿論知っていたが、町並みや店舗を意識して、つまり視覚情報をベースに地域を捉えていたから、山の上にある大学という認識は無かったそうである。
しかし、視覚障害者は視覚情報を得られず、この場合、重力の働きと自らの足にかかる負荷を便りに「山の上にあるのではないか?」「山を切り開いて建てられた大学」と推察したそうである。

今村氏の作品を見て、上記の話を思い出した。
確かに今村氏の作品は視覚情報として、起伏を捉えることはできるが、
視覚だけでは得られない情報も確かにそこにはあって、
現在の技法だからこそ得られる情報がそこにはあった。

視覚だけでは手が届かない。
見られないものがある、経験できないものがある。
だから、死が眼前にぶら下げられても山を目指す、
山屋と呼ばれる者たちはゼロにならないのかもしれない。

「神々の山嶺」を読んで印象的だった言葉があった。
正確ではないかもしれない。
エベレストを天国に一番近い場所、と。

知らずとも生きて行けるはずなのに、
他にも時間の使い道はあるはずなのに。
なぜなぜ、と問うのが人間、それは某書で見かけた言葉。

バベルの塔みたいに、人間らしく、人間の無謀さというか、愚かというか、無力さを思い知るため、良くも悪くも、人の本質を暴く手段になっている気がした。

山の存在により。

毒山凡太朗「戦慄とオーガズム」

毒山凡太朗「戦慄とオーガズム」

■イベント詳細
場所:駒込倉庫 Komagome SOKO (東京都豊島区駒込 2-14-2)
期間:2016 年 8 月 27 日(土) – 9 月 24 日(土)
時間:水曜日 – 土曜日 15:00 – 20:00
日曜日・祝日 12:00 – 17:00
月曜日、火曜日は休廊

入り口で配られるステートメントが良かった。すんごいわかりやすい。
ご自身の社会経験を通じて、身を以てお感じになった事柄に対する疑問や答えが、受け入れやすいユーモアを飾って、作品として置き換えられていた。

他者と関わり合いの中で生きること、生き続けること。
ステートメント内の単語を選択するとしたら「エラー•バグ」
それらが私たちの内側に発生したとしても、抱えつつ、生きていく。
「エラー•バグ」といった単語は、意図しない現象•対象に対して用いられると思うが、対象の動作が必ず停止するわけではない。
そのまま動作し、出力されることもある。

ようは認識のレベルの話である。致命的なエラーでもなければ、許容し、気付くことなく動作を続けるだろう。生物は内部環境を一定の状態に保とうとする仕組みを備えており、他にも免疫、免疫寛容といった変化に対する対策を取る能力を持っている。これらをはじめとした、生きるためのテクニックにより威力を排除したり、許容したりして、うまーく生存することができる。

しかし、敏感・鈍感になることは当然、メリットとデメリットがある。
どちらを選択するかは環境次第であるし、選択次第である。

本展は六つの作品で構成されている。
作家の視点から考えを反映し、記録•制作した作品を通して、鑑賞者が出来事に対してどのような出力(感想•感情)を行うか。出来事自体にエラーを見出すのか?作家が手がけた痕跡にこそエラーの要因を見るか?という一歩引いて、俯瞰状態で見たい展示会であると思った。

一番良かった作品は「これから先もイイ感じ(映像作品)」
前述の通り、ご自身の経験、想いが最も強く反映された作品だと勝手に思う。
六つの作品の中で、最も普遍的な現代での「生きる」に触れた作品だった。
満足に言葉も発せず、身体のコントロールもままならない幼児期から、
満足に言葉も発せず、身体のコントロールもままならない老年期まで。
肉体の大きさ、外見的特徴が大きく異なる二者の対比。
無難な手法かもしれないが、あの見せ方は見事だった。

次に良かったのは「LInCAAi-chan(映像作品)」
地方の風俗店に潜入し、録音されたっぽい音声が流れる。スタッフのおばちゃんが、どの子がいいのか?また風俗に通う行為は至極まっとうなことであるように諭したりする。
結果、それは営業行為であり、セールストークではあるのだけど、おばちゃんのなまりある言葉を聞いていると、何か許しを得ている気さえしてくる。
生きる行為がどれほど大変であるか。また、生きるための活力を得るためには、こういうことも必要なんだよ、と。カメラ•マイクが向けられていることも知らず、おばちゃんは話を続ける。だからそれはセールストークではあるけど、パフォーマンスではない。だから良い。


「ずっと夢見てる(映像作品)」
様々な企業ロゴを寄せ集めて刷られたブランケットみたいなものを、都内の深夜、道端で熟睡している人々に(勝手に)かける行為を記録した映像作品。
各企業が掲げるコンセプトや方針をアフレコで、言葉でかぶせる。
さすがにビジネスとして掲げている形と言葉だけを引用し、語りかける手法には、大きなズレがあると思う。その言葉と想いが生きている文脈が違う、意味が違う、乱暴すぎる。それならば企業ロゴは不要である。不要なディティールを意識してしまった作品だと思う。

多くの作品が、作家の思考の窓口を紹介するに留まってしまった印象があるのが残念。個々の作品が、また一歩二歩と踏み込んだ所を見てみたい。

キュンチョメ個展「暗闇でこんにちは」

キュンチョメ個展「暗闇でこんにちは」

戦争・テロ・災害・放射能、そして増え続ける難民・避難民。終わらない問題に追われ続ける2016年、世界各地の終わらない現場で制作された作品群を公開します。

会期:2016年8月27日(土)~9月24日(土)
水曜日~土曜日 15:00~20:00
日曜日・祝日 12:00~17:00
定休日:月曜日、火曜日(祝日オープン)
場所: 駒込倉庫 Komagome SOKO
東京都豊島区駒込2-14-2
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会場は今年オープンしたばかりという「駒込倉庫」
以前の建物の面影がふんだんに残っていた。
突き当たりにある資材運搬用のエレベータとか見ていると、
実家のバラックを思い出して懐かしい気持ちになった。

さてキュンチョメ氏の個展を拝見するのは実に2年ぶり。
新宿眼科画廊で開催された、個展「なにかにつながっている」以来である。

全ての作品を鑑賞し終えて、駅前の喫茶店で一服した上での感想。
「2年が経過してこれ?」

「なにかにつながっている」は個人的にも印象深い展示会であったが、
今回は良い意味での印象は残らなかった、というよりも、今までは作品上における荒さが良い意味で機能していたのに対して、今回は雑という印象で留まってしまったことによる。

まだ2年前はやろうとしていることが、少なくとも私個人は、不明瞭ながら実感としてお持ちなんだろうなという印象を持っていたが。今回はやりたいことのベクトルがあちらこちらに向いてしまい、一つの展示会としてのパワーを相殺している印象だった。

東日本大震災、広義の意味での難民問題、人類同士のコミュニケーション。
やはりもっと絞って欲しい、これは個人的な願いに過ぎないけど。
多くのことに興味を持ち、手を伸ばすのは勿論大切なことで尊重するけど、
どれもこれもが中途半端で終わってしまった、という想いである。

雑であると感じた大きな理由は、テーマを複数取り上げたことで、その雑さが大きく露呈し、また作品による主目的を果たすための障害になっていることも理由である。もっとこうすればいいのに、と小難しいことを考えずとも思うことが沢山あった。作品構築のプロセスが論理的ではなく、感情的、過ぎると言えば良いのか。

その押さえつけられぬ衝動や感情をそのまま吐露するのが、2年前として、
その衝動の温度が冷め、ちょっと冷静につくってみた、という印象。
熱量が無い。その雑さを鑑賞者に許容させてしまうだけの熱量が足りない。
行動力も賞賛するが、やはりそれにしても足りない、もちろん足がかりにはなるだろうが、それにしても傷跡を残すには非力。

あと今回の展示を見て感じたのは、キュンチョメ氏のアートワークにおける雑さってのは、鑑賞者側が感じとるキャラクター性、味になっているってこと。食事を例に出しても、大盛りとか刺激物とか、度が過ぎると不快だし、慣れすぎてもよくない。適切なバランス感覚の上でこそ許容すべきもの。
しかし現在まで、その雑さを逆手に取り(取られ)、コマーシャル的な側面としても、結果機能していたのかなと思った。意図のありなしに関わらず。
でもそれは作品の質や評価とは全く別次元の話であり、雑は雑として受け止めるべきであり、経歴を考えるとお粗末と言い換えられなくもない。

内容はぼかすが、会場での共同作業。この作品は何が目的だったのだろう。
正直、本を読めばいいと思った。作品に落とし込むことは、そうでもしないと、それくらいの刺激を与えないと気付かない人がいるから、ということか。原発事故問題を一つ取り上げても、作品自体及びキャプションが提示する情報は、具体性•情報が不足していると思う。本件は具体的な情報なくしては語れぬ事柄だと考える。ここでの抽象性は鑑賞者にとって都合良く解釈されるきっかけになってしまうだろうし、それは作家としても本意ではないと思うのだが。このあたり、ドキュメンタリーなのか、報道行為としての側面とか、作品としての殻を用いた方が効率的だからなのかは知らないが、結局、作家側のスタンスがわからないからかもしれない。
うーん、なんというか、キュンチョメ氏の作品が、どんどん、ゴールデンタイムのテレビ番組みたいに思えてきた。大衆性に富んできたというのか、その要素を蓄え続けているというか、いやそれでもいいのだけど、大多数に受けることは大切だから。明瞭さも大切だと思う。でも、自分が求めるものとは違うってだけの話。

エネルギーの観点から考えると、太陽エネルギーみたいな作家だなと思う。総エネルギー量は凄いのに、影響範囲が広く、密度が低い。
太陽エネルギーはソーラーパネルの価格がまだ高価だし、広範囲に機器を展開する必要があるから本格的な実用化には結びついていないとのことだが。より安価なシート状のパネルが開発されるなど、着実に実用化に向けて進んでいるとのこと。ようは総エネルギー量が多くとも、方法次第では有効利用できないってこと。

キュンチョメ氏、充分な熱量は感じられるし、まだ余裕が見える。ので、腰を据えてテーマを取捨選択し確固たる目的を見つけ出し、方法論を熟考し、制作すれば、2年前に味わうことができた、
あの心の揺れ動き以上の体験が叶うのにと思う。

なんやかんやいっても、気になる作家であることには変わりない。
是非、今後も作品を拝見したい。

※キュンチョメは、ホンマエリさんとナブチさんの男女ユニットであるが、
本文ではキュンチョメで統一しました。